Une prédelle de Paolo Ucello

Paolo Ucello, Le miracle de l'hostie, 1469
Dimensions :  Hauteur 32 cm Largeur 343 cm
Nature de l’image : peinture sur bois
Technique utilisée : Détrempe sur panneau
Lieu de conservation : Urbino, Galerie Nationale delle Marche

L'Histoire d’une hostie profanée : cette légende est véhiculée dès le XIIe siècle. Elle a des consonances antisémites que l'artiste ne partage pas vraiment, puisqu'il en fait une interprétation très personnelle où tous les personnages finissent "châtier".
Pour comprendre cette légende : l'hostie est un morceau de pain qui représente de façon symbolique le corps de Jésus Christ dans la religion chrétienne. Ainsi, nous voyons un morceau de pain saigner. Toujours dans cette religion, lors de la messe, le prêtre transforme ce pain en "corps du Christ". C'est ce que l'on appelle la "consécration" : une sorte de rituel magique en quelque sorte. Ces rites inspirent les artistes de la Renaissance. Ce sont les thèmes que recherchent leurs commanditaires.

Scène 1 : Afin de pouvoir rembourser une dette contractée avec un juif usurier, une femme chrétienne se décide à voler une hostie et la lui remet comme ils l’avaient au préalable convenu.

 Scène 2 : Dans les mains du juif,qui la poignarde, l’hostie commence à saigner. Avertis de cette profanation, des hommes en armes viennent arrêter l’usurier et sa famille.

  Scène 3 : Une procession conduite par le pape ramène l’hostie vers un autel, afin de la re-consacrer.

 Scène 4 : La "pécheresse" s’apprête à être pendue, mais elle est sauvée in extremis par un ange dans l'histoire initiale. Paolo Ucello choisit de la pendre malgré tout (Nous retrouvons son corps dans la scène 6).

Scène 5 : L’usurier juif et les siens sont brûlés vifs en place publique. Paolo Ucello tire son histoire d'une légende parisienne du XIIe siècle, mais il choisit de faire pendre la femme, dont le corps (Scène 6) sera disputé par les anges et les démons.

"Fou de perspective", Paolo Ucello, comme dans la plupart de ses œuvres fait la démonstration de sa maîtrise de cette technique tout récemment mise au point.

 

 Il passe d'une scène à l'autre en reprenant certains éléments du décor, tel le damier du carrelage (s1 et s2), le paysage dont l'horizon se retrouve d'une image à l'autre. Le passage a une nouvelle scène est encore signifié par l'ajout d'éléments architecturaux (colonnes) entre les images.

La perspective

A la Renaissance, les peintres inventent une méthode scientifique pour représenter la profondeur sur la surface plane (tablette de bois, mur, puis, toile).
Cette technique permet de raccourcir les longueurs des corps pour les insérer dans un format donné. Par un jeu subtil de diminution progressive des objets, elle recrée un espace de représentation fictif dans la peinture-même.


Andrea Mantegna, le Christ mort, vers 1506.
Détrempe sur toile, 68 × 81 cm. Pinacothèque de Brera, 

Dans cette toile fameuse de Mantegna, le corps du Christ, une fois déposé de la croix, est allongé dans un tombeau, une pièce souterraine creusée dans la terre. Le peintre a remarquablement "compressé le corps de façon à l'insérer dans le format limité du tableau.







Albrecht Dürer, Underweysung der Messung
mit dem Zirkel und Richtscheyt. Nuremberg, 1535.

Les artistes inventent des outils permettant une perception d'un seul point de vue fixe, agrémentée de viseur ou oeilleton, système optique, damier et portique pour reporter point par point leur modèle sur leur support plan. 



Ils tendent des fils de leur objet à leur plan dessiné, construisent toute une machinerie en vue de reproduire au mieux la réalité qui leur est donné de voir.


Albrecht Dürer, Underweysung der Messung
mit dem Zirkel und Richtscheyt. Nuremberg, 1535.

Ils tendent des fils de leur objet à leur plan dessiné, construisent toute une machinerie en vue de reproduire au mieux la réalité qui leur est donné de voir.

gravure d'Albrecht Dürer

 Toute la construction visuelle obtenue nécessite un point de vue fixe, une ligne d'horizon (fictive), un ou plusieurs points de fuite. Toutes les lignes parallèles dans la réalité se rencontrent en ce point imaginaire qui crée la profondeur dans le dessin.

La hauteur du point de vue du spectateur correspond à la ligne d'horizon où se situe le point de fuite.

Giotto et les fresques de St François

 Les fresques de la vie
de saint François d'Assise
sur les murs  de la basilique Saint-François
 de la ville d'Assise en Italie, réalisées par Giotto vers la fin du XIIIe siècle

use de la

--> technique du trompe-l'oeil : le rideau est peint au-dessus des scènes de la vie du saint jusqu'au cadre architectural fictif qui encadre chacune d'elles.

Nef de l'église Supérieure à Assise

Chaque baie de la nef est divisée en trois parties (quatre dans le cas de la baie la plus large près de l'entrée) par des colonnes torsadées s'élevant depuis la base de la peinture. Les scènes de la vie de saint François sont ainsi peintes comme si elles avaient été conçues dès la construction de l'église.

Plan de la nef et emplacement des 28 fresques

Les fresques racontent la vie de saint François : la vocation, le renoncement aux biens de ce monde, le Latran qui croule, la rencontre avec le Sultan d'Égypte, le prêche aux oiseaux, l'exorcisme …

L'exorcisme de St François

 Le Crucifix de Saint-Damien lui ordonne de réparer les ruines de l'église.



               St François renonce à tout bien terrestre, malgré la colère de son père,
et se réfugie dans les bras de l'évêque Guide 

 

 Giotto est un précurseur. Dans les scènes ils utilisent les principes de la perspective.  Reconnaissables, non seulement par leur style, ses fresques montrent un nouveau traitement dans la technique de la fresque - qui a d'ailleurs permis une meilleure conservation - par rapport à ce qui se faisait auparavant.

Giotto a peint sur des pièces relativement petites d'enduit pouvant être peintes en un jour. Comme l'enduit est toujours humide, le pigment pénètre profondément et uniformément, assurant la conservation des couleurs.